Preguntas y Respuestas con Antonio García Villarán: Un Diálogo sobre Arte, Técnica y Reflexión

¡Hola a todos! Soy Antonio García Villarán, y en este vídeo me he propuesto responder a vuestras preguntas, esas que tan a menudo surgen en mis vídeos y que, por su interés, merecen ser compartidas con una audiencia más amplia. Hace una semana, os invité a plantearme vuestras inquietudes en mis redes sociales, y la respuesta ha sido abrumadora. Pero antes de sumergirnos en el fascinante mundo de las preguntas y respuestas, quiero agradeceros de corazón los dibujos que me habéis enviado. ¡Es increíble ver cómo me percibís a través de vuestro arte!

Vuestros Retratos: Una Mirada a Través de Vuestros Ojos

Es muy emocionante compartir estos retratos que me habéis hecho. Cada uno ofrece una perspectiva única y me ayuda a ver cómo me veis vosotros a mí:

• El primero es de Alejandra Salud, desde Venezuela. En él, creo que me veis iniciando uno de esos «vile-performances» que hago al principio de los vídeos. ¡Muy curioso!
• El segundo llega de México, obra de Juan José García. Es un dibujo donde se me ve serio, mirando al frente, también muy interesante y amable.
• Desde Colombia, Andrés Alejandro Camargo me ha enviado una serie de fotografías de un mismo dibujo, una caricatura muy trabajada y chula.
• De Alicante, Andrés García me envió dos dibujos. El primero ya era muy interesante, y después, quizá no del todo contento o pensando que podía mejorarlo, me envió un segundo. A mí me gustan los dos; el segundo parece más terminado, pero ambos están genial.
• Y por último, un dibujo de una alumna mía de Crea 13 en Sevilla, María del Carmen Díaz. Una peculiaridad es que está hecho a carboncillo, lo cual es muy chulo.

Por cierto, nunca os lo he preguntado, pero de todos estos dibujos que habéis visto hoy, ¿cuál es el que más os gusta?

Preguntas y Respuestas: Navegando el Mundo del Arte

Después de ver estos magníficos dibujos, pasamos a las preguntas. ¡Allá vamos!

¿Cuántos años llevas pintando y qué es lo que más te gusta pintar?

Esta pregunta me la hace Julio César Navarro Torres.

Oficialmente, es decir, cuando empecé en una academia de dibujo y pintura, fue a los 13 años. Ahora tengo 40, así que echad cuentas: son bastantes años. Siempre me había gustado dibujar y pintar desde el colegio, pero tomando conciencia de la pintura como una profesión o futura profesión (que ahora es presente), ha sido desde los 13 años.

Respecto a lo que más me gusta pintar, siempre me ha interesado la figura humana. De hecho, aunque ahora pinto muchos esqueletos, no dejan de ser figuras humanas. También me interesan mucho los retratos, pero no el retrato formal, sino el retrato psicológico, el ir más allá de la mera representación del rostro.

¿Harías un vídeo explicando cómo ser profesor de universidad? ¿Das clase en verano?

Ángela UBG me pregunta esto.

Me puedo plantear hacer un vídeo sobre cómo llegar a ser profesor de universidad. Es complicado, pero no imposible; hay muchos caminos. Aunque también habría que plantearse si es lo mejor para según qué objetivos.

En cuanto a las clases de verano, no, no doy clases en verano. Necesito tiempo para relajarme, para hacer viajes más largos, para seguir estudiando (aunque estudio todos los días). Necesito un tiempo de reposo para ver qué he hecho, qué quiero hacer, qué quiero repetir o qué no quiero volver a hacer.

De todas formas, Ángela, te digo que tienes mis cursos online. En plataformas como UDEMY, tengo cursos donde enseño todo lo que doy en mis clases presenciales, o casi todo. Tengo que hacer más cursos, y dentro de poco anunciaré algunos nuevos que estoy preparando.

Quiero empezar con el óleo, ¿qué disolvente usar? ¿Trementina?

Sara García Magrita me pregunta.

Es muy sencillo: para el óleo, lo que se usa como diluyente es la esencia de trementina, es decir, el aguarrás. Te recomiendo que uses el aguarrás que no huele, que es muy práctico y yo lo utilizo.

También existen otros diluyentes u otros medios que puedes usar, como el aceite de linaza, aunque este puede amarillear un poco la pintura y con el tiempo la obra se puede cuartear. Pero usando la esencia de trementina o aguarrás inodoro, tienes suficiente para empezar.

¿Cómo puedo saber si lo que hago es bueno, ya sea figurativo o abstracto? ¿Es el criterio que un artista debe tener para que su obra sea valorada?

Esta es una pregunta muy interesante de Cristian Sosa.

Aquí hay dos cosas: qué es lo bueno y qué es lo valorado. No todo lo que se valora es bueno, y esto lo vemos muy claro en la sociedad día a día. Por ejemplo, en campos como la comida, vemos que la comida basura es muy valorada y no es precisamente buena. En la música, ni digamos.

Además, todo depende del momento histórico en el que se esté viviendo, porque la historia nos ha enseñado que cosas que no fueron valoradas en su tiempo, después sí lo han sido y han sido puestas socialmente en un estatus muy alto.

Mi consejo es que, primero, estudies mucho arte, pintes mucho, dibujes mucho. Y si de verdad te preocupas por esto, simplemente crea, produce, trabaja. Lo otro ya vendrá. Además, con que tú estés contento con lo que haces, eso ya es suficiente, eso ya es garantía de que es bueno. Aunque hay que ser autocríticos también, claro.

¿Qué tipo de pincel y pincelada se usan en el Impresionismo?

Adrián Guardiol Herrías me lo pregunta.

Te voy a dar un dato basado en mi experiencia personal. A mí me llamaban mucho la atención los cuadros de Van Gogh porque estaban hechos con unas pinceladas muy gruesas, se veían los bordes de la pincelada. Y yo me preguntaba qué tipo de pinceles usaba Van Gogh o cómo los utilizaba. La respuesta me llegó simplemente por pintar mucho.

Cuando pintaba mucho y no compraba pinceles nuevos, es decir, los pinceles de cerda blanca (cerda dura) se me gastaban. Esos pinceles, al coger bastante pintura, son los que me dejaban una huella similar a las huellas de la pintura de Van Gogh, es decir, de los cuadros de Van Gogh. La conclusión es que los impresionistas pintaban con pinceles casi «rotos» o «gastados», no todos, pero muchos de ellos sí, y usando mucha pintura.

¿Por qué los impresionistas nunca respondían las cartas?

Benito Manuel me lanza esta pregunta. ¡Eso digo yo! ¿Por qué no respondían las cartas?

¿Cómo podríamos acercar el arte a la gente? ¿Cómo despertar el interés por la cultura entre la multitud? ¿Cómo quitar el miedo a las personas que desean pintar pero no se creen capaces?

Esta es una pregunta muy interesante de Sonia López, y además es lo que intento hacer siempre con mis vídeos, mis cursos y todo lo que hago.

Yo creo que a la gente le gusta el arte, claro que le gusta. Pero primero, como no hay un apoyo institucional importante para que el arte llegue a la gente, estamos viendo continuamente que en otros ámbitos se pone mucho dinero para que eso llegue a las grandes masas. Si ocurriese lo mismo con el arte, te aseguro que la gente valoraría mucho más el arte y los artistas estarían mucho mejor vistos.

Y otra cosa muy importante es que no se quiere lo que no se conoce. Si no hablamos de arte, si no lo criticamos, incluso si no generamos debate, pues nunca lo vamos a entender, nunca lo vamos a querer u odiar, o a generar ese interés por el arte que muchos de nosotros queremos que se genere, porque nos encanta el arte, porque estamos enamorados del arte, nuestra vida es arte.

¿Qué son las «Clase PRO»? ¿Tienen algún significado?

Orlando Cukra Mamani me hace una pregunta que siempre ha querido hacer.

Lo que yo llamo «Clase PRO» no es más que un invento, un título que le he puesto a algunos de mis vídeos. Pero sí tiene un significado para mí: una Clase PRO tiene mucho que ver con una clase magistral, pero que es teórica y práctica. Además, por ejemplo, en una de las últimas que he hecho sobre Toulouse-Lautrec, yo no puedo explicar toda la vida y obra de Toulouse-Lautrec (ya me gustaría, pero nos llevaría semanas).

En una Clase PRO intento sacar el «jugo», es decir, la esencia de un tema (como Toulouse-Lautrec) y generar interés en el que viene a esa clase para que, por su cuenta, después investigue y esa clase se extienda en el tiempo y pueda aprender por sí solo. En definitiva, con las Clases PRO, es como un buen dibujo desde mi punto de vista: con muy pocas líneas, conseguir mucho.

Si pintas cuadros o esculturas, ¿cómo puedes elegir un tema? ¿Te lo encargan? ¿Y las exposiciones en el extranjero?

Carmen Abejines Almodóvar me pregunta esto.

A veces me encargan cuadros y a veces no me encargan cuadros, y los temas los hago yo. Hay de todo.

Y sobre las exposiciones en el extranjero, te hablo de mi experiencia: yo he expuesto en Estados Unidos. Fue porque en aquel tiempo, un galerista se interesó por mi obra (lo conocí en una feria) y llevó dos cuadros míos a Nueva York y Los Ángeles.

Pero hoy día, ¿cómo se hace una exposición fuera? O bien hay un vídeo donde explico cómo se puede exponer, pero vamos a centrarnos en el siglo XXI: exponer un cuadro tuyo en la red es exponer en el extranjero, es exponer en el mundo entero. Ya no es necesario hacer una exposición física fuera para que los de fuera vean tu obra. Porque, al final, el fin último de que expongas es que tu obra se vea fuera, en el extranjero.

¿Es necesario estudiar arte en la universidad para poder alcanzar mis metas como artista?

Otra pregunta muy recurrente, de Mariana Fox, que está a punto de salir del bachillerato.

Mariana, yo que he estudiado Bellas Artes, yo que he sido profesor de Bellas Artes, y ahora tengo mi propia academia; yo, que soy un poco el símbolo, en cierto modo, de cómo se hacen las cosas socialmente correctas, te puedo decir que no es necesario estudiar arte para ser un artista.

Y no es que lo diga yo, sino que he visto a muchos compañeros que se han salido de la carrera y ahora son grandes artistas. También he visto lo contrario: amigos que han hecho la carrera de Bellas Artes y ahora son grandes artistas. Pero no es necesario estudiar Bellas Artes para ser un artista. Si haces arte, ya eres artista.

Lo que sí es necesario es tener compromiso, es decir, comprometerte con el arte y comprometerte a hacer una obra durante muchísimo tiempo. No vale decir: «me pongo a pintar y a los seis meses o a las dos semanas, como nadie me compra mis cuadros, o como no consigo exposiciones, o como no me gusta lo que hago, lo dejo».

Así que no te diría que es necesario estudiar una carrera, pero sí es necesario estar estudiando siempre por tu cuenta y trabajando como el que más.

¿Cómo se llega a encontrar un estilo propio en la pintura?

Jezabel Consarthis me pregunta esto. Ella ya sabe que lo fundamental es prepararse y luego practicar, practicar y practicar.

La respuesta está en tu misma pregunta: practicar, practicar y practicar. Pero te diría más: estudiar. Y por último, también copiar. Es decir, copiar las obras que te gusten de los grandes maestros, copiarlas, pero intentar profundizar en cómo las hacían, cómo daban la pincelada, cuál era su gesto.

Pero todo esto no como obra tuya, sino como estudio. Tú, igual que lees un libro y después sacas tus propias conclusiones, de la misma forma puedes pintar o dibujar obras de otros artistas, como han hecho los grandes a lo largo de la historia, y sacar de ahí lo que te interesa. El ser humano aprende por imitación, y si imitamos aquello que nos gusta, pues posiblemente llegaremos antes a un estilo propio. Pero en definitiva, el truco es estudiar, estudiar y trabajar, trabajar, trabajar.

¿Qué piensas de un arte figurativo pero sin estética, sin reflexión estética, sin una idea de lo sublime? ¿Es consciente el público que consume arte de la gran necesidad de lo sublime?

Mi amigo Manuel Alejandro L.P. (un gran filósofo, siempre hace preguntas interesantes) me plantea estas cuestiones.

Un arte figurativo pero sin estética… Bueno, ahí ya solo tenemos que reflexionar muchísimo, porque ¿a qué estética te refieres? ¿A una estética de lo bello, de lo sublime, de lo correcto? Porque claro, algo grotesco también puede ser bello. Pero bueno, tú hablas de la reflexión estética.

Y yo te diría que un arte, ya de por sí, sin reflexión, es un arte más pobre. Yo mismo, que pienso mucho qué es lo que pinto, cómo lo pinto, para qué lo pinto… Toda esta reflexión me lleva a hacer lo que estoy haciendo ahora, por ejemplo, y me ha llevado a hacer lo que hice en el pasado. Pero quizá llevar a pensar que si no se reflexiona estéticamente y si no se reflexiona en general, el resultado formal de la obra artística sí puede parecer más pobre o puede tener menos cualidades estéticas.

Por último, me pregunta si es consciente el público que consume arte de la gran necesidad de lo sublime. Yo creo que para ser consciente de eso hay que hacer un esfuerzo grande por tu parte. ¿Cuál es el esfuerzo? Pues estudiar mucho, ver mucho, vivir mucho también, ¿por qué no?

Y sinceramente, y me apena, creo que el público general no está dispuesto a eso. ¡Ojalá estuviese dispuesto a eso y ojalá le interesase tanto el arte para que hubiese más conciencia sobre lo que se está haciendo, lo que se está haciendo mal, lo que debería ser más valorado y lo que menos! Pero bueno, también nosotros mismos tenemos ese compromiso, podemos hacer algo para que eso cambie.

¡Y hasta aquí este vídeo!

Por último, mi amigo Alex Rodríguez Arte, a quien conoceréis porque hice una colaboración con él hace unos meses, también me ha ayudado con algunas preguntas.

Espero que te haya gustado mucho este recorrido por vuestras inquietudes y mis reflexiones. Y si quieres hacerme más preguntas, ¡vamos a hacer una cosa! A partir de ahora, si pones en cualquiera de mis vídeos o en mis páginas de Facebook, Twitter o Instagram el hashtag #Preguntas2AGV (repito: #Preguntas2AGV), pues haré otro vídeo de preguntas y respuestas.

Espero que te haya gustado mucho, que lo compartas si realmente crees que puedo ayudar a más gente con estas preguntas y respuestas. Y bueno, si te suscribes a mi canal, te lo agradezco un montón, me ayuda mucho a seguir haciendo contenido como este. ¡Nos vemos muy pronto en antoniogarciavillaran.es y en YouTube!